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L’impianto visivo si dipana come una raffinata costellazione di rimandi all’universo simbolico di Gustav Klimt: non soltanto Il bacio, emblema di un’unione che è insieme fusione amorosa e dissoluzione identitaria, ma anche le presenze inquietanti del Fregio di Beethoven, dove la figura maschile barbuta — incarnazione delle forze ostili e del desiderio predatorio — si impone come minaccia incombente. A questa si contrappongono le figure femminili di Giuditta I e Giuditta II, icone di una sensualità consapevole e perturbante: corpi parzialmente esposti, avvolti in una preziosità dorata che allude tanto al potere quanto alla reificazione del femminile. In tale trama iconografica, l’oro klimtiano cessa di essere ornamento per farsi codice allegorico: superficie seduttiva che nasconde una tensione irrisolta tra eros e dominio, tra libertà apparente e costrizione. La scena si trasfigura così in uno spazio al contempo abbagliante e spietato, in cui la bellezza si rivela dispositivo di controllo e consumo, riflettendo con esattezza la parabola di Else, sospesa tra l’esibizione forzata del proprio corpo e l’ultimo, disperato tentativo di preservare la propria dignità. Schnitzler anticipa e al contempo dialoga con le avanguardie del suo tempo, costruendo una partitura narrativa compressa in un arco temporale minimo, in uno spazio pressoché immutabile, come se volesse piegare la modernità alle antiche unità aristoteliche. Ne scaturisce una tensione claustrofobica, un presente continuo che divora ogni possibilità di fuga. La regia di Brockhaus coglie questa gabbia invisibile e la rende materia scenica: le scene e i costumi di Giancarlo Colis non decorano, ma stringono; le luci di Gaetano La Mela incidono come bisturi; le coreografie di Valentina Escobar suggeriscono un corpo che è già prigionia. Al centro, assoluta, c’è Lucia Lavia. Figlia d’arte, sì, ma qui ogni genealogia si dissolve davanti a una prova che impone un’identità autonoma, vibrante, necessaria. La sua Else non è affatto un semplice personaggio ma un flusso in piena, un pensiero che si fa carne, un tremito costante tra pudore e disperazione. Lavia attraversa il monologo interiore con una precisione quasi musicale, evitando qualsiasi compiacimento: ogni inflessione è giustificata, ogni esitazione è senso. Il risultato è una presenza scenica magnetica, capace di trasformare la parola in vertigine. La traduzione di Renata Colorni mantiene intatta la nervatura emotiva del testo, mentre l’adattamento scolpisce una drammaturgia compatta, senza cedimenti. Emergono con forza i nuclei tematici: la dignità umana schiacciata dal ricatto economico, la violenza sottile della morale borghese, la condizione femminile ridotta a merce di scambio. Non c’è retorica, solo un crescendo di consapevolezza che conduce a un esito inevitabile. Lo spettacolo rifugge deliberatamente ogni facile adesione, orientandosi invece verso una fruizione esigente, che sollecita attenzione vigile e coinvolgimento critico. La costruzione drammaturgica e registica impone una riflessione non conciliatoria, priva di compiacimenti. Al calare del buio, permane una tensione irrisolta, tradotta in un interrogativo aperto, assente di esiti consolatori. In questa prospettiva, il dispositivo teatrale rinuncia a ogni funzione meramente intrattenitiva per assumere una valenza analitica, incidendo con profondità nella percezione dello spettatore e lasciando una traccia persistente. La presente recensione si riferisce alla rappresentazione del 10 aprile 2026 |
La signorina Else
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La signorina Else
Catania, Teatro Stabile, Sala Verga, dal 10 al 19 aprile 2026
Scritto da Mariarosa Gallo Sabato 11 Aprile 2026 11:00 Letto : 1023 volte
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