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L' ossatura teatrale è un flusso di soste e ripartenze — pause che non sono respiro ma sospensione isterica, accelerazioni che non conducono mai a una risoluzione. Questo schema, intrecciato da Maja Delak nelle sue coreografie e movimenti scenici, non scorre lineare ma erutta: i performers — Andrea Lietti, Giovanni Longhin, Ilaria Longo, Nicola Lorusso, Roberto Marinelli, Paola Tintinelli, Marco Rizzo, Elena Scalet — incarnano archetipi urbani consumati da una ciclicità di bisogni immediati, di desideri contraddittori e di impulsi incongrui. Nel loro lavoro corporeo c’è la macchina sociale messa a nudo, fatta di passi che si accavallano come messaggi incomprensibili, danze che sembrano slogan ma restano rumore bianco di significati sfuggenti. Con sarcasmo calibrato, la pièce dipinge uno scambio rumoroso e ferrigno, declinato di indicazioni vacue — una voce di speaker esterno, ipnotica e ingannevole — che sembra dirigere e al contempo sabotare ogni gesto sul palco. La sua presenza non è guida ma interferenza strutturale: come gli algoritmi digitali che promettono ordine e generano caos, questa eco autoritativa viene percepita e rigettata, accolta e tradita, perché la sua funzione non è rassicurare ma destabilizzare. La partitura sonora e vocale concorre a questa estetica dell’instabilità percepita. Il suono ideato da Stefano Giungato (Indiehub Studio) non accompagna ma trafigge lo spazio e lo riempie di scarti timbrici, di frequenze che sembrano segnalare connessioni ma si rivelano fasci di interferenza. Qui la musica non armonizza; essa è campo di battaglia in cui l’armonia è sospettata, trapassata, riformulata in contraddizione con se stessa. Le scene e i costumi di Marina Conti partecipano a questa estetica di disorientamento nella quale non si sospetta mai un ambiente stabile, una cifra visiva riconoscibile o un’ambientazione rassicurante. Tutti i piani — spaziale, cromatico, tessile — sembrano progettati per scombussolare ogni referenza abituale. L’apparato vestimentario risulta come discontinuità stilistica, somiglianza imperfetta di caratteri sociali speculari, ma disturbati da segni non decifrabili; gli oggetti, i piani di luce, le transizioni visive demolite da una trama percettiva che non illustra ma interroga la coscienza. Lo spettacolo non si configura come un prodotto da consumare, bensì come un test diagnostico della societas moderna — un esame introspettivo collettivo che non ambisce alla guarigione, ma alla rivelazione. La sua provocazione non vuole soluzioni facili: evidenzia, invece, l’impasse ontologica di una generazione sbrigliata solo in apparenza, che parla e non si comprende più, che danza e non si appartiene, che ascolta e non sente. La rappresentazione si sottrae all’idea di musical come conforto narrativo. Qui non si cerca catarsi, non si propongono archi consolatori: ogni scena è un interrogativo e ogni nota è una ferita aperta. È musica e gesto, rumore e ritmo, caos e struttura — ma non nel senso tradizionale, piuttosto in una sintassi scissa, densa di contraddizioni, irriducibile alle categorie stabili del divertissement teatrale. È l'arte scenica contemporanea intesa non come evasione, ma come specchio impietoso di un mondo che urla senza voce. La presente recensione si riferisce alla rappresentazione del 31 gennaio 2026 |
FC*K
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F*CK. A modern Musical Love
Milano, Teatro Fontana, dal 27 gennaio al 1° febbraio 2026
Scritto da Mariarosa Gallo Domenica 01 Febbraio 2026 12:25 Letto : 1179 volte
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